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“tillögur að löglega afla”

Category Archives: 2009

octubre 23, 2011 David Sylvian – Manafon


Since first emerging as the lead singer of 1980s synth pop group Japan, singer/multi-instrumentalist David Sylvian has turned, in many ways most surprisingly, into one of pop music’s most intrepid explorers. As early as his first solo album, the crooner with a distinctive and intentioned vibrato has been connected with the experimental and jazz scenes, continue→

with trumpeters Jon Hassell, Mark Isham and Kenny Wheeler appearing on Brilliant Trees (Virgin, 1986). Since then he’s collaborated with guitarists Robert Fripp, David Torn, Marc Ribot and Bill Frisell and keyboardists John Taylor, Ryuchi Sakamoto and Holger Czukay on albums that range, stylistically, from ambient pop to near-progressive rock. He’s also been involved in multimedia works, including the aptly titled Approaching Silence (Venture, 1999) and, more recently, Naoshima (Samadhisound, 2007) which, along with the collaborative Nine Horses group and its debut, Snow Bound Sorrow (Samadhisound ,2005), reflected a growing interest in all things Norwegian and artists including trumpeter Arve Henriksen, and samplers/remixers Jan Bang and Erik Honoré.

Free improvisation and its nexus with more structured composition have always been of interest to Sylvian; even on his last ostensibly pop production, Dead Bees on a Cake (Virgin, 1999), the singer combined his sometimes oblique but visually arresting lyrics with Frisell’s dobro improvisations. With Blemish (Samadhisound, 2003), he took the concept a giant leap forward on a largely solo album, but one where, on four of its eight tracks, late free music guitar pioneer Derek Bailey and guitarist/laptop specialist Christian Fennesz provided Sylvian with improvisations, providing contexts around which he built his austere songs. An album of remixes, The Good Son vs The Only Daughter (Samadhisound, 2004), further demonstrated just how far these sparely constructed compositional ideas could be taken in the hands of creative remixers/recomposers.

Manafon takes the creative process even further, with Sylvian taking a series of free improvisations, performed by a cherry-picked collective of international improvisers, as the starting point, and shaping his words and loosely structured music around them. Other than adding some acoustic guitar and keyboard himself, as well as some sparely overdubbed piano by John Tilbury on six tracks, these spontaneous soundscapes have been enhanced in post-production, but the improvisations themselves remain intact and unreconstructed—as they were, in the moment.

It’s a dark album of stunning beauty; oblique, to be sure, but one that reveals Sylvian to be a continually growing artist whose interests are pure, and now completely distanced from the industry concerns that were an unavoidable part of working with the major labels for the first part of his career. Not that his earlier albums weren’t creative or, the assumption has to be, exactly where he was at the time; but unencumbered by outside impositions (even Nine Horses—a pop group to be sure—felt completely honest, a reflection of what the artists wanted without any undue intervention, direct or suggested), with his own Samadhisound label, Sylvian has turned from artful, post-pop crooner to an innovator of the first order.

Even the choice of Sylvian’s collective reflects a breadth of concern that transcends earlier collaborations: from England, Tilbury, AMM co-founder, guitarist Keith Rowe, saxophonist Evan Parker and cellist Marcio Mattos; from Austria, guitarist/laptop player Christian Fennesz, trumpeter Franz Hautzinger, guitarist Burkhard Stengl, bassist Werner Dafeldecker and cellist Mario Mattos; from Japan, no input mixer Toshimaru Nakamura, turntablist Otomo Yoshihide, sine wave artist Sachiko M. and guitarist Tetuzi Akiyama; from the US, live signal processor Joel Ryan. On these nine songs—eight songs with lyrics, one instrumental—a baker’s dozen players come together in various permutations and combinations, from trio to septet, and in many cases represent first encounters. The result is a compelling album of real songs—abstract, to be sure, not of conventional AABA form—that may provide an entry point for those who find the concept of free music unapproachable, by demonstrating that such unfettered improvisation needn’t (and shouldn’t) mean aimless meandering. John Kelman

Desde su surgimiento como frontman del grupo synth-pop Japan en los 80s, el cantante y multi-instrumentista David Sylvian se ha convertido sorprendentemente en uno de los más intrépidos exploradores de la música pop. Ya en su primer álbum solista, el cantante con un vibrato característico y buenas intenciones se ha conectado con la escena de jazz experimental, con los trompetistas Jon Hassell, Mark Isham and Kenny Wheeler en Brilliant Trees. Desde entonces ha colaborado con los guitarristas Robert Fripp, David Torn, Marc Ribot y Bill Frisell y los tecladistas John Taylor, Ryuchi Sakamoto & Holger Czukay* en álbumes que van desde el ambient pop al (casi)rock progresivo. También ha participado en obras multimedia, incluyendo el apropiadamente titulado Approaching Silence, y más recientemente Naoshima, que junto con la colaboración de Nine Horses y su debut, Snow Bound Sorrow , reflejan un interés creciente en todas las cosas de Noruega y artistas como el trompetista Arve Henriksen, y samplers/remixers como Jan Bang y Erik Honoré.

La improvisación libre y su nexo con lo más estructurado han sido siempre de interés para Sylvian, incluso en su última producción ostensiblemente pop, Dead Bees on a Cake, el cantante combina sus letras a veces oblicuas pero visualmente notables, con improvisaciones de dobro por Bill Frisell. Con Blemish, toma el concepto con un paso gigante en un álbum solitario en gran parte, pero en el que en cuatro de sus ocho pistas da libertad a Derek Baily (avant-garde guitarist) y Christian Fennesz (guitarist/laptop specialist) proveen improvisaciones a Sylvian, proporcionando contextos en torno al cual construye sus austeras canciones. Un álbum de remixes, The Good Son vs The Only Daughter, demostró además hasta qué punto estas ideas frugales podrían ser tomadas por manos de creativos remixers/recomposers.

Manafon lleva el proceso creativo más allá, con Sylvian tomando como punto de partida una serie de improvisaciones libres, realizadas por un colectivo internacional de improvisadores, y alrededor de ello da forma a sus palabras y desestructurada música. Aparte de añadir alguna guitarra acústica y teclados, así como algunos pianos sobremezclados por John Tilbury, estos sonidos espontáneos se han mejorado en post-producción, pero las improvisaciones se mantienen intactas y no reconstruidas como en su momento lo fueron.

Es un disco oscuro de una belleza deslumbrante, oblicua sin duda, pero que revela a Sylvian como un artista en constante crecimiento, cuyos intereses son puros, y ahora completamente alejado de las preocupaciones de la industria, que en gran parte eran inevitables para trabajar con las discográficas más importantes en la primera parte de su carrera. No es que sus discos anteriores no eran creativos o, la
presunción tiene que ser, exactamente donde estaba en ese momento, pero sin el estorbo de las imposiciones externas (incluso Nine Horses, por supuesto un grupo pop, se siente absolutamente honesto, un reflejo de lo que harían sin ningún tipo de intervención indebida, directa o sugerida), con su sello propio Samadhisound, David Sylvian ha pasado de ser un ingenioso cantante post-pop, a un innovador de primer orden.

Incluso la elección de los colectivos de Sylvian refleja la amplitud de la preocupación que trasciende las anteriores colaboraciones: desde Inglaterra / Austria, hasta Japón / EE.UU. En estas nueve canciones —ocho con letra, y un instrumental- una docena de artistas se unen en diversas permutaciones y combinaciones, desde el trío al septeto, y en muchos casos, representan primeros acercamientos. El resultado es un álbum de canciones convincentes de naturaleza abstracta, sin duda, no de la convencional forma AABA que pueden proporcionar un punto de entrada para aquellos que encuentran el concepto de inaccesible free music, demostrando que la improvisación libre no tiene por qué significar un deambular sin propósito. John Kelman

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septiembre 28, 2011 Amen Dunes – Dia

The fact that Damon McMahon (aka Amen Dunes) recorded DIA while holed up in a Catskills cabin is so fitting it feels like a myth. The album’s claustrophobic, voice-in-head tone immediately evokes inner-space travelers like Syd Barrett, continue→

Roky Erickson, and Skip Spence. And McMahon’s simple songs, fuzzy guitar, and buzzing vocals all sound like the product of some solitary brain, sitting in some isolated cabin, buried deep inside some dark forest.

It’s telling, though, that after he made DIA, McMahon moved to Beijing: as the album progresses, it reveals a musical vision reaching beyond the boundaries of a lonely woods. Early on, his stylistic umbrella expands to let in a Suicide/Spacemen 3 loop, the eerie howls of early Royal Trux, and the post-Barrett folk of Robyn Hitchcock. But his farthest-flung and strongest reference point proves to be the underground sounds of 1980s New Zealand. As McMahon‘s tunes sharpen and deepen, he becomes like an American cousin to Kiwi songsmiths Alastair Galbraith, Chris Knox, and brothers Graeme and Peter Jefferies.

The key to how McMahon can evoke those greats and still bring some of himself to the mix is his voice. On the surface his singing sounds raw and monotone, pitched in a droning hum and distorted at the edges. But listen closely and you can hear subtle changes that give DIA a surprising diversity. On “White Lace”, his singing rises sharply, pulling his guitar along with it. He alternates tough moans and eerie falsettos in the Barrett-ish “Castles”, and ghosts of Knox and Galbraith emerge via his openly earnest croons in “No Shot”. By album’s end, McMahon‘s meditative hums are practically all that’s left, like shells on a beaten shore glistening in the sunset.

“Glisten” is a relative term here– overall, DIA is still a rather constricted album, with a tonal range that’s pretty narrow despite how much McMahon mines from it. But the record does hold indications of how wide his sound could become, particularly the perfectly-crafted bit of psych-folk called “Two Thousand Islands” that pops up near album’s end. Here, his modest voice melds beautifully into some clucking, Velvet Underground-ish guitar. That alone is enough to make you look forward to what McMahon comes up with next, perched above a temple in Beijing rather than tucked away in a Northeastern woodland.

El hecho de que Damon McMahon (alias Amen Dunes) grabara “DIA” mientras se refugiaba en una cabaña de Catskills (al igual que Bon Iver) es tan conveniente que se siente como un mito. El álbum es claustrofóbico, ese tono voice-in-head evoca inmediatamente a viajeros del espacio interior como Syd Barrett, Roky Erickson, y Skip Spence. Y las sencillas canciones de McMahon, guitarras borrosas, zumbadas voces, todo suena como producto de un cerebro solitario, sentado en una cabaña aislada, enterrado profundamente dentro de un oscuro bosque.

He de decir sin embargo, que después de hacer DIA, McMahon se mudó a Beijing: como cuando el álbum avanza, revelando una visión musical que va más allá de los límites de un solitario bosque. Al principio su paraguas estilístico se expande para permitir un bucle de Suicide & Spacemen 3, los espeluznantes gritos de los primeros Real Trux, y el folk post-Barrett de Robyn Hitchcock. Pero su más fuerte y lejano punto de referencia resulta ser el sonido underground neozelandés de los 80s. McMahon perfecciona y profundiza, volviendose un primo americano de coterráneos como Alastair Galbraith, Chris Knox, y los hermanos Graeme & Peter Jefferies.

La clave de cómo McMahon puede evocar tanta grandeza, y traer algo de sí mismo a la mezcla, es su voz. En la superficie su canto suena crudo y monótono, lanzado en un zumbido uniforme y distorsionado a los extremos. Pero escuchado con atención se puede oír los sutiles cambios que dan a DIA una sorprendente diversidad. En “White Lace” su canto se eleva abruptamente, tirando de su guitarra junto a él. Alternando duros gemidos y misteriosos falsetes en la Barrettiana “Castles”, y los fantasmas de Knox y Galbraith emergen a través de su abiertamente sincero canturreo en “No Shot”. Para el final del álbum, el tarareo meditativo de McMahon es prácticamente todo lo que queda, como conchas en una golpeada costa que resplandecen en la puesta del sol.

Resplandeciente es un término relativo aquí – en general, DIA sigue siendo un álbum más bien estrecho, con una gama tonal bastante reducida a pesar de la cantidad de minas de McMahon en la misma. Sin embargo, el registro da indicios de como podría ser su sonido, en particular las perfectamente diseñadas partecitas de psych-folk que aparecen cerca del final del álbum en “Two Thousand Islands”. Aquí, su voz modesta se funde perfectamente en algunos cloqueos, y Velveteanas guitarras. Eso por sí solo es suficiente para considerar lo que McMahon puede hacer próximamente, encaramado por sobre un templo en Beijing, más que escondido en un bosque del noreste. –Marc Masters

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septiembre 18, 2011 The Singer Not The Song – Winter Demos


Muy al margen de lo que Mick Jagger quería decirnos en 1961 con la canción que da nombre a este proyecto, nos imaginamos que Francisco Rojo está claramente convencido de que es la obra y no el artista quien ha de hablar y convencer. Y a nosotros, desde luego, nos ha convencido con sus canciones de esto y no de lo contrario, pero como mínimo reflexionamos sobre la lacónica e irónica afirmación de su nombre de guerra: “el cantante, no la canción”.

En mond bar recibimos su epé de su mano, recordándonos con ese gesto que sigue habiendo vida más allá de Myspace, aunque finalmente y por comodidad hayamos terminado disfrutando de su propuesta dándole al play con el ratón. escuchando detenidamente los temas de su reproductor virtual podemos vislumbrar que rojo se mueve con mucha comodidad y soltura por los caminos del pop-folk anglosajón de los sesenta y su versión americana más descarada, que le encantan los arreglos minimalistas y psicodélicos del señor George Harrison, y que no se conforma con crear un cancionero homogéneo y lineal sino que intenta explorar todas las posibilidades de su registro, mucho más amplio de lo que uno puede deducir en las primeras escuchas. mención especial para la versión de The 6ths (unos de los múltiples proyectos de Stephin Merritt) y para ‘The Song I Sing When I am Here’, en la que despliega todo su potencial folk. buenas canciones, no hay duda. — Gratasorpresa

No recuerdo el momento que abandoné los grupos que vendían los medios especializados y empecé a interesarme en los verdaderos artistas.
Se que fue antes de crear El Mundo de Mimi y desde luego mucho antes de crear Rock is Roll.
Pero me alegro tanto y de vez en cuando aparecen personas como Xisco, cantante de The Singer Not The Song, que te hacen ver que el camino tomado era el correcto.

Xisco me impactó de cerca, por su voz, tiene magia, tiene duende y cuando empuña su guitarra en los estudios de Radio Utopia detiene el tiempo.
Dejó tres canciones para el recuerdo que puedes ver y escuchar en el blog del programa “Amanecer en Tequila”

Al margen de todo eso tiene un EP llamado “Not I” que regala de forma gratuita desde su Myspace y me parecería una injusticia no compartirlo con todos vosotros, fieles lectores del Nautilus.

Tómate tu tiempo, escúchalo sin prisa y verás que sus melodías formarán parte de ti para el resto. — Nautilus

buyering….

agosto 28, 2011 Kurt Vile – He’s Alright 7"

Quien haya recibido el twitt del 1ero marzo pasado enviado por los Fleet Foxes: “Baby’s Arms by Kurt Vile is fucking awesome…” seguramente se habrá preguntado: “Pero, ¿Quién es Kurt Vile?”.

La música de este joven guitarrista y cantante (nacido en Philadelphia), fluye por el caudaloso rio del American Primitivism. John Fahey (1939-2001), guitarrista virtuoso de la “steel-string acoustic guitar”, y fundador de este estilo descarnado, algo sentimental, casi rural y por momentos oscuro de la música norteamericana, es una gran influencia en la creación musical de Vile. Y lo que Vile crea son canciones. Canciones muy simples pero densas. A veces con espíritu picaresco otras con gravedad y misterio. Suenan guitarras, muchas. Guitarras de 6 y 12 cuerdas, eléctricas y acústicas, filtradas por resonadores, distorsionadores, flangers, delays mínimos, reverberancias metálicas y quebradizas y acoples de amplificadores que parecen llantos o risas. El sonido es el característico de las producciones Lo-Fi o de Cdrs, o sea, publicaciones autogeneradas en todos los aspectos y con una estética intencionalmente “desprolija o imperfecta”. Más que una actitud musical parece ser una postura normal que pretende plantarse firme ante las grandes disqueras y el “mainstream” híper comercial de la música pop-plástica de consumo masivo.

En sus presentaciones Kurt Vile se presenta en solitario con sus guitarras y efectos pero también con The Violators, una banda que lo apoya en escena y en un EP (Kurt Vile & The Violators – The Hunchback).

Neo psicodelia, Folk Rock, Pop Psicodélico, garage rock revival … cualquiera de estas etiquetas se le puede aplicar. También se puede decir que por sus composiciones y actitud antes las canciones es un seguidor natural de Neil Young, Joni Mitchell, Blind Lemon Jefferson, Mississippi John Hurt, Blind Willie Johnson, Furry Lewis, Fred McDowell, Hank Williams, Townse Van Zandty hasta el mismísimo Bob Dylan.



En una reciente entrevista Vile ha comentado sobre sí mismo:

“…he estado haciendo música: escribiendo y grabando canciones desde los 14. Publiqué en cintas, en CDRs (discos auto publicados) y ahora que tengo 29, casi 30, todavía estoy escribiendo, experimentando, practicando, grabando. Esto me permite desarrollar mi oficio de compositor. Los CDRs han desempeñado un papel importante en esto. He podido aprender mucho con estas ediciones. En general, diría quien soy bastante obsesivo con mi trabajo, esa es la clave para cualquier compositor de canciones, más o menos, dependiendo de cuán ambicioso quiera ser. Pero obsesivo no tiene que significar un The Wall de Pink Floyd.”

Eduardo Paz Carlson

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julio 26, 2011 Kurt Vile & The Violators – The Hunchback


Luego del discazo que resultó ser “God Is Saying This To You…”(Mexican Summer, 2009), la segunda entrega del norteamericano pensilvano Kurt Vile, aparece meses después la grabación de un epé ,esta vez junto a The Violators. Seis canciones variadas y precisas que perfilan una vez más a este songwriter como uno de los talentos con menor vulnerabilidad en la escena de nuevas generaciones del psych nortemericano.

The Huchback, la homónima y primera canción del disco muestra sin mayores pretenciones el estilo clásico del rock psicodélico de pulso lento con maracas acompañando a la batería y una guitarra minimalista que además del uso de distorsión, no arriesga con adornos recargados sobrevaloración, muy parecido a lo que hace en “Constant Hitmaker” (Woodsist, 2008).

Damn You, instrumental, se asemeja (sobre todo por el drum beat) más bien a lo que hacía The War On Drugs, banda que precede al trabajo de solista que hoy desempeña.

Losing It y Hunchy’s Back son continuidad pura, ambas de un minuto y medio, sin altos ni bajos y llenas de atmósfera. En la primera, sólo dos guitarras, una en punteo y otra en rasgueo se acompañan en la realización de una armonía lenta. La segunda, posee más arreglos. Vuelve a utilizar maracas y la batería nuevamente refiere a The War On Drugs.

Good Lookin’ Out, canción número cinco, es sin duda, el punto más alto del disco y quizás, sin exagerar, el mejor registro de Kurt Vile desde que debutó como solista. Cinco minutos en los que en buen shileno. “se tira toda la carne a la parrilla”. Garage, Psicodelia, Afro Beats y otros ritmos configuran un adictivo Hit no apto para “hiteros. del mal”,

Slick Licks con menos fuerza que la anterior pero no menor mérito, cierra el disco, dejando las expectativas altísimas para el siguiente LP titulado “Childish Prodigy (Matador, 2009)”. Esto es productividad. Sofía Villanueva
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abril 19, 2011 Sleepy Sun – Embrace


Sleepy Sun es una banda cuyo debut en la música psicodélica se dio recién el año pasado con este disco al que con toda razón le pusieron el título de “Embrace”.
Este disco contiene ocho temas cargadísimos de guitarras setenteras, una batería magistralmente golpeada, duetos de voces al mero estilo de Right y Gilmour en el Meddle; harmonías completamente impredecibles que van desde el uso de guitarra acústica, piano, bajo blusero y algunos matices de Hammond en el fondo, y por supuesto un vacio atmosférico matizado con una voz femenina que canta las melodías absolutamente en trance y con un efecto de echo desesperado.
Provenientes de la ciudad de Santa Cruz, en California, (no en Bolivia), son parte de la nueva escena psicodélica de San Francisco que se inició para continuar una onda que es tradicional en ese territorio estadounidense.
La información de la banda es escasa en la web debido a su reciente entrada a la cruel industria del rock, pero lo poco que se describe de ellos en su sitio web es que “Embrace” es un disco que “te levanta en la mañana y te manda a dormir en la noche”, y sobre la banda se dice que compartieron el escenario con Howlin’ Rain, Earth, Dead Meadow, y Citay.
Su grito de guerra al inicio de sus conciertos es “Let´s get weird!” y como dice su propia página web, si la banda continúa su ascenso en el camino del éxito, las cosas están a punto de volverse realmente raras. (If the group continues down their rapid road to success, things are about to get very weird indeed). República Independiente
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diciembre 15, 2010 7 Worlds Collide – The Sun Came Out

Hace siete añosya que Neil Finn y Johnny Marr se conectaron con un grupo de estrellas de la música para producir el álbum benéfico 7 Worlds Collide.

Finn (Crowded House) y Marr (The Smiths) se unieron esta vez con Ed O’Brien y Phil Selway de Radiohead, para formar el núcleo de la banda. Un elenco rotativo de estrellas musicales se turnan para ofrecer sus voces y arreglos.

Con ese elenco de personajes, los resultados en el álbum no son ninguna sorpresa. La mayoría de los temas, comenzando con la primer pista “Too Blue”, son gemas de pop rock. Finn y Marr traen su sensibilidad down-pop en casi todas las pistas.

Cuando los invitados al montaje comienzan obtenemos algunas mayor diversidad en la música. KT Tunstall ofrece una interpretación vocal inquietantemente hermosa sobre “Black Slick Ribbon” y llena de vida “Hazel Black”. La Multi-instrumentista Lisa Germano presta sus cuerdas vocales únicas a varias pistas. Jeff Tweedy de Wilco añade sus toques de alt-country sobre el tema “You Never Know” y “What Could Have Been”, los cuales son más fuertes que la mayoría del material de Wilco (The Album). Tomando el título del álbum en serio tenemos una cancioncilla de inspiración con “3 Worlds Collide”.

En ocasiones la música se aparta un poco demasiado lejos de lo probado y verdadero. Temas como “Learn To Crawl” son un poco demasiado “Radiohead” como para caber cómodamente en un paquete como este.

7 Wolds Collide es también un asunto de familia. Finn trae a su hermano y compañero de Crowded House Tim para “Riding The Wave”. Liam, el hijo de Neil, que se ha forjado una bella carrera musical propia, escribió y cantó “Red Wine Bottle”, mientras que Sharon Finn hace un admirable debut vocal en la conmovedora “Little By Little”. otro hijo de Neil Elroy proporciona batería, guitarra, y voz en todo el álbum. Para no ser menos, Sam Tweedy, y Sonny & Nile Marr participan también.

Con una alineación como esta y una buena causa para apoyar, este volumen de peso, sin duda vale la pena recoger.

Read the Original Here

It’s seven years ago now that Neil Finn and Johnny Marr hooked up with a cadre of musical stars to produce the 7 Worlds Collide benefit album. On September 29th the 7 Worlds Collide band will return with The Sun Came Out a double album to benefit Oxfam.

Finn (Crowded House) and Marr (The Smiths) are joined this time out by Radiohead’s Ed O’Brien and Phil Selway to form the nucleus of the band. A rotating cast of musical stars take turns delivering the vocals and pitching in on the arrangements.

With that cast of characters, the results on the album are no surprise. Most of the tracks, beginning with the opener “Too Blue”, are pop rock gems. Finn and Marr bring their pop sensibility down on nearly every track.

When the guest appearances mount we begin to get some greater diversity in the music. KT Tunstall delivers a hauntingly lovely vocal performance on “Black Slick Ribbon” and the peppy “Hazel Black”. Multi-instrumentalist Lisa Germano lends her unique strings and vocals to several tracks. Wilco’s Jeff Tweedy adds the alt. country touches on “You Never Know” and “What Could Have Been”, both of which are stronger than the majority of the material on Wilco (The Album). Taking the album title to heart we get a world-inspired ditty with “3 Worlds Collide”.

On occasion the music does stray a little too far from the tried and true. Tracks like “Learn To Crawl” are a bit too Radiohead-like to fit comfortably in a package like this.

7 Wolds Collide is also a family affair. Finn brings in his brother and Crowded House partner Tim for “Riding The Wave”. Neil’s son Liam, who has carved out a nice musical career of his own, wrote and sung “Red Wine Bottle” while Sharon Finn makes an admirable vocal debut on the touching “Little By Little”. Neil’s other son Elroy provides drums, guitar, and vocals throughout the album. Not to be outdone, Sam Tweedy, and Sonny and Nile Marr also participate.

With a line-up like this and a good cause to support, this weighty volume is definitely worth the pick up.

o en snobsmusic

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Limited Edition

diciembre 14, 2010 Yo La Tengo – Popular Songs



Si el rock and roll fuera fútbol de fantasía, a continuación, Yo La Tengo sería de los jugadores que todos tratan de proyecto. Durante trece álbumes, la banda ha sido mimada por la crítica por una buena razón: ellos entregan resultados consistentes y hacen canciones exquisitas con cada edición. La banda se encuentra en un punto en el que en realidad no corren el riesgo de la liberación de un mal disco, sino que son las fluctuaciones de menor importancia de bueno a excelente, las decepciones por lo general vienen a los talones de una oferta que ha sido considerado por encima del promedio, en base a su propia curva ascendente.

La primera media docena de temas corre a través de los géneros de soul, melodías suaves y adultas, y ataques ocasionales de rock psicodélico. “Periódicamente doble o triple” es un paseo de R&B de mediados de los ’60, mientras que “If It’s True” rinde respetos a los Four Tops.

Incluso las incursiones en la edad media(“When It’s Dark”, “Avalon o algo similar”, “I’m On My Way”) es perdonable porque son tan perfectamente ejecutadas. Está claro que estas canciones se concretaron en los ensayos en lugar de un estudio de grabación, un medio ambiente estéril con músicos de sesión siguiente a la eutanasia de la partitura perfecta. Estos son los arreglos creados por una banda que està ahora demasiado lejos en su carrera para ser considerado “independiente” o “alternativa”. Yo La Tengo se encuentra en un punto en el que su talento también ha permitido evocar una serie de géneros con facilidad y poca preocupación de la percepción y sin rastro de pretensión.

En el momento de la pista nueve, “Tell Me All Your Secrets,” no se convierte en una deflación súbita en el alto vuelo de Popular Songs, tampoco el dulce Da Doo Doo’s, es simplemente una preparación rápida para las próximos dos pistas que pondrán a prueba la paciencia de cualquiera que pueda tener algunas tareas para hacer, algunos recados, o salir a correr. Sí, “More Stars Than There Are In Heaven” & “The Fireside” se combinan para más de veinte minutos de rasgueos de guitarra.

Una vez más populares canciones resulta ser (otro) ganador en el catálogo impresionante de la banda, incluso con su juego de tropiezos al final. La ironía con que es como las decepciones dentro de ella no son más que destacados a causa de una primera mitad estelar. En las manos de una banda menor, las fallas pudieron haber sido completamente pasados por alto, pero con Yo La Tengo, tenemos estadísticas de su carrera a la mano y siempre esperan grandes cosas de ellos cada temporada.

Read the Original Here

If rock and roll were fantasy football, then Yo La Tengo would be the players that everyone tries to draft. For thirteen albums, the band have been critical darlings for good reason: they deliver consistent results and exquisite songcraft with each release. The band is at a point where you don’t really run the risk of releasing a bad album; they are minor fluctuations of good to great with the disappointments generally coming on the heels of an offering that’s been deemed above average, based on their own lofty curve.

Album fourteen, Popular Songs, finds the band delivering yet another decent release, albeit one that loads up the first half with impressive results while leaving side two to flounder under its own girth.

The first half-dozen are keepers; running through genres of soul finger snap, gentle adult melodies and the occasional fits of psychedelic rock. “Periodically Double Or Triple” (MP3) is a bouncy mid-60s r&b jaunt while “If It’s True” respectfully lifts the Four Tops, making the two tracks ones that you’ll be repeating for some time. It’s hard to bag on such shoplifting when the band sound like they’re having so much fun while Ira Kaplan and Georgia Hubley seem to be playing footsie with each other on lines like “Lets make jam when life gives us a peach!”

Even the forays into blatant middle age (“When It’s Dark,” “Avalon Or Something Similar,” “I’m On My Way”) are forgivable because they are so perfectly executed. It’s clear that these songs were fleshed out in rehearsal instead of a sterile studio environment with session musicians following sheet music to perfect euthanasia. These are arrangements created by a band that is now too far into their career to be considered “indie” or “alternative.” Yo La Tengo is at a point where their talent has also enabled them to conjure up a number of genres with ease with little concern of perception and with no trace of pretention.

By the time of track nine, “Tell Me All Your Secrets,” there becomes a sudden deflation in Popular Songs highflying act. Not even the sweet “da doo doo”s can save the slide; it’s merely a quick prep for the next two tracks that will test the patience of anyone who may have a few chores to do or a few errands to run. Yes, “More Stars Than There Are In Heaven” and “The Fireside” combine for over twenty minutes of lackadaisical guitar strums, neither one taking fire and neither one setting one either.

Kaplan brings out a nice bit of feedback for the closer, but at fifteen minutes in length, the average listener is reaching for the rewind to get another taste of the great first half the album provided earlier.

Again, Popular Songs proves to be (another) winner in the band’s impressive catalog, even with its late game stumbles. The irony with it is how the disappointments within it are merely highlighted because of a stellar first half. In the hands of a lesser band, such misfires may have been completely overlooked, but with Yo La Tengo, we have their career stats close at hand and we always expect great things out of them every season.

o en Glorious Noise

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noviembre 26, 2010 PJ Harvey & John Parish – A Woman a Man Walked By


PJ Harvey vuelve a publicar un disco con su viejo conocido John Parish, habitual de casi todos sus discos como músico o co-productor. Como en ‘Dance Hall At The Louse Point’, el otro álbum que firmaron juntos en 1996, él vuelve a componer la música y ella las letras, a diferencia de los álbumes de PJ, donde ella compone todo en solitario. El primer single, ‘Black Hearted Love‘, nos mostraba un regreso a las raíces rockeras de ambos, pero el resto del álbum es más variado.

Hay momentos de tensión máxima en ‘A Woman A Man Walked By’, como ‘The Chair’ o ‘Pig Will Not’, que podrían estar en ‘Uh Huh Her’ (el último es casi el nuevo ‘Who The Fuck’), pero las pistas son diez y las canciones pausadas, casi dignas de ‘White Chalk’, el disco a piano de PJ Harvey, son en realidad el 50%. ‘Leaving California’, ‘April’ o ‘The Soldier’ son notables, y no hay canción mala en ‘A Woman A Man Walked By’. Algunas destacan por su melodía (‘Leaving California’), otras por su letra (‘The Chair’, sobre un hijo muerto) y otras por recordar a algunos de sus momentos más rabiosos (‘A Woman A Man Walked By’). Pero el álbum tampoco contiene nada que te haga definitivamente pensar en él como en un disco excepcional e imprescindible en la carrera de Polly. A menudo suena como la segunda parte de distintas etapas suyas. Jeneispop
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noviembre 26, 2010 Lotus Plaza – The Floodlight Collective


Me sorprende la cantidad de proyectos alternos que tienen los vatos de Deerhunter. Lotus Plaza es de su guitarrista Locket Pundt.

Cada uno de los miembros tiene mínimo un proyecto aparte de la banda. En el caso de Bradford Cox, varios. El más conocido Atlas Sound.

A pesar de que cada proyecto es independiente, al menos en los casos de Lotus Plaza y de Atlas Sound, es imposible no identificar las similitudes con Deerhunter. Especialmente porque en casi todos estos proyectos “alternos” como quiera participan de una u otra forma los demás miembros de la banda.

Por ejemplo, el nombre de este disco (The Floodlight Collective) es el mismo del primer proyecto en que tocaron juntos Pundt y Cox.

No sé cuantas veces lo he puesto antes de dormir, ni cuentas mientras tengo que estar haciendo trabajo de nalga en la oficina, pero definitivamente es un álbum que no enfada a pesar de ser sumamente repetitivo. Repetitivo por que no hay muchas variaciones de sonido a pesar de que cada rola es una fiesta. De cierta forma causa la misma sensación que el Person Pitch (2007) de Panda Bear: en Bros sientes que estas escuchando una rola que se repite hasta llegar a los 12 minutos.

Como quiera, este disco no es tan bueno como el Person Pitch, pero es del mismo estilo. De ese que sientes que estas escuchando a traves del agua y no del aire. De ese que fluye como en varios ciclos, pero que mantiene sonsonetes interminables con pequeñas variantes. Y para hacer más borrosa la descripción, está grabado en Lo-fi.

No se entienden las letras, por eso practicamente se puede llamar instrumental: la voz es un instrumento más. Todo el disco es ideal para estar realizando otras actividades. Quicksand y The Floodlight Collective son mis favoritas. Review

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noviembre 3, 2010 Jim Ward – In The Valley, On The Shores


Jim Ward, miembro fundador de At the Drive-in, los recomendables Sparta y de Sleepercar, es un tipo que también tiene sus dramas íntimos, como todo el mundo. Para darles salida fuera de la contundencia punkera de los mencionados ATD o de la electricidad de Sparta, Jim tiene una carrerita en solitario. El diminutivo es merecido pues sólo tiene un par de EPs publicados. El primero, de 2007, se llama Quiet y es básicamente un disco de folk. Muy mono y totalmente alejado de cualquier distorsión, griterio o batería contundente. Queda una herencia de lo suyo en los coros, pero los tempos son calmados y las canciones tienen poco más que piano, guitarra, voz y tombourine. Alguna armónica aparce también, en ‘On my way back home again’, por ejemplo, que a mi me parece la mejor. El segundo EP de Jim Ward, titulado In the valley, on the shores, es de este mismo año y, como el primero, está compuesto por cinco temas acústicos muy agradables de escuchar. En ‘Broken songs’, bonita y de final abrupto, Jim ha contado con la colaboración de Tegan Quin, de Tegan & Sara. El resultado es bien vistoso. Indiespot
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