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tillögur að löglega afla

Category Archives: 2008

An excellent three tracks to accompany last December’s British Ballads album by ex-Jack main player Anthony Reynolds. Vashti Bunyan‘s contribution to this three-track EP is the obvious choice as a standout, the choral and string arrangement‘s continue→

mirroring the ethereal, dreamlike quality of her vocal performance while haunting electronic tones lift the piece beyond the spectrum of traditional folk fare. New song ‘Like The Sun Feeds From The Flowers’ is a collaboration with Charlotte Greig, all sounding splendidly like a Nashville duet on this recording (but with Brit accents, obviously). Finally, the simple violin and electric guitar arrangement of ‘It Isn’t So’ delivers an especially raw piece of gothic folk, perhaps reminiscent of I See A Darkness-era Bonnie ‘Prince Billy or Nick Cave. Very good indeed.

Tres excelentes pistas para acompañar el último álbum -British Ballads- del fundador y ex Jack, Anthony Reynolds. La contribución de Vashti Bunyan a este EP es obviamente lo mas destacado, los arreglos coral y de cuerdas reflejan la etérea y surreal calidad de su interpretación vocal, mientras que los inquietantes tonos electrónicos levantan la pieza más allá del espectro del folk tradicional. La nueva canción ‘Like The Sun Feeds From The Flowers’ es una colaboración con Charlotte Greig, todo suena espléndidamente, como una especie de dúo de Nashville con acento británico. Por último, el sencillo arreglo de violín y guitarra eléctrica en ‘It Isn’t So’, ofrece una pieza especialmente cruda de gothic folk, tal vez una reminiscencia de la época I See A Darkness de Bonnie Prince Billy, o Nick Cave. Muy bueno. –Boomkat


“Micah Blue Smaldone…taps into a vein of something real and present; a preternatural sensibility deep inside many post-millennial lost souls. continue→

This music is haunting, the notes and lyrics tugging the listener’s soul as if you’d fallen into a sonic bramble patch” –Left Hip magazine

The Red River is the third album from Portland, Maine’s Micah Blue Smaldone and the first on Chicago label Immune. His first album, 2003’s Some Sweet Day, was a collection of Ragtime & Country-Blues, a fervently authentic homage to great influences – John Jackson, Blind Blake, Robert Wilkins; while 2005’s Hither and Thither was much more internal, an urgent telling of germination in a harsh climate. The Red River reaches a little further both into the past and the future and was mostly written upon returning from an 11 week European tour in the winter of 2007. The album confronts the malevolence we’ve come to accept in our nature perhaps more out of cynicism than of true understanding. It tells hard tales gently, and in the end offers faith in our capacity for goodness. The album features accompaniment by many fine Portland musicians, including the members of Fire on Fire (Young God Records), a group Micah also plays with. Micah has recently appeared on the new Jack Rose album and also plays in the Death Vessel band.

“Micah Blue Smaldone… nutre sus venas de algo real y presente, de una sensibilidad sobrenatural en lo profundo de las almas perdidas post-mileniales. Con música inquietante, las notas y letras tiran del alma del oyente como si hubiera caído en un zarzal sónico” –Left Hip magazine

The Red River es el tercer álbum de Micah Blue Smaldone y el primero en el sello Immune. Su primer álbum (2003) Some Sweet Day, era una colección de Ragtimes & Country Blues, un auténtico y fervoroso homenaje a sus grandes influencias – John Jackson, Blind Blake, Robert Wilkins., mientras que en (2005) Hither and Thither era mucho más interior, una narración urgente de la germinidad en duros climas. The Red River alcanza un poco más tanto el pasado como el futuro, y fué en su mayoría escrito al regresar de una gira de 11 semanas por Europa en el invierno de 2007. El álbum se enfrenta a la maldad que hemos llegado a aceptar en nuestra naturaleza tal vez más desde el cinismo que por verdadera comprensión. Contando historias gentilmente, y ofreciendo al final, fé en nuestra capacidad para la bondad. El álbum cuenta con el acompañamiento de muchos buenos músicos de Portland, incluidos los miembros de Fire on Fire (Young God Records). Micah ha aparecido recientemente en el nuevo álbum de Jack Rose y además de tocar para la banda Death Vessel.


In the Spring of 2006, a seven-year email correspondence culminated in the meeting of Luke Jackson and Magnus Börjeson. Jackson had long been a devoted fan of two of the Swedish musician’s former bands: Beagle and Favorita, continue→

and the two songwriters finally met in Paris where Börjeson was mid-tour playing in The Cardigans. By the end of the weekend, Jackson had accepted an invitation to record in Sweden, which he took up in January 2008. He set to work in the studio with Magnus on bass and Christoffer’s Brainpool bandmate Jens Jansson on drums. Upon his return to London, he sent the rough mixes of the songs to renowned London-based string arranger Robert Kirby (who has orchestrated works by Nick Drake, Elvis Costello, and Elton John). Kirby loved the songs and offered to write orchestrations for the album and accompany Jackson to Sweden to conduct the necessary recording sessions with nine players from Malmö’s Opera Orchestra. It is the collision of these two worlds which makes his album, And Then Some, so compelling. Densely layered guitars and vocal harmonies fuse with sweeping string lines, none of which ever draw the ear too far from what lies at the heart of Jackson’s music. –Casper Johansson

En la primavera de 2006, una correspondencia por correo electrónico de siete años culminó en la reunión de Luke Jackson y Magnus Börjeson. Jackson había sido durante mucho tiempo un fan devoto de dos de las bandas del músico sueco: Beagle y Favorita, y los dos compositores se reunieron finalmente en París, donde Börjeson estaba tocando con The Cardigans. Al final del fin de semana, Jackson había aceptado una invitación para grabar en Suecia, que asumió en enero de 2008. Se puso a trabajar en el estudio con Magnus en bajo, y Christoffer Lundquist & Jens Jansson de Brainpool. A su regreso a Londres, envió las mezclas en bruto de las canciones al renombrado arreglista Robert Kirby (que ha dirigido obras de Nick Drake, Elvis Costello y Elton John). Kirby amaba las canciones y se ofreció a escribir orquestaciones para el álbum y acompañar a Jackson a Suecia para llevar a cabo las sesiones de grabación necesarias con nueve miembros de la Malmö’s Opera Orchestra. Se trata de la colisión de estos dos mundos lo que hace que su álbum, And Then Some, sea tan convincente. Densas capas de guitarras y armonías vocales se funden con la majestuosidad de las cuerdas, ninguna de las cuales toma la atención muy lejos del corazón de la música de Jackson. –Casper Johansson


From Stevie Wonder and Todd Rundgren to Bon Iver’s Justin Vernon, self-sufficiency in recording—being your own one-man band—has served as more than just a badge of honor. It’s also a disarmingly simple way to maintain consistency over the course of multiple albums, if not a career. On Soft Airplane, bedroom/basement-recording aficionado Chad VanGaalen still plays nearly every instrument in the mix, as he did on previous LPs Infiniheart and Skelliconnection, but something’s changed…continue reading→

Where earlier albums could seem scattershot, with tracks independently culled from hundreds of stockpiled songs, Soft Airplane is concise and fully-realized.

Here, the meandering, blippy stoner jams skillfully bleed into poignant sentiments—all in the same song. The amalgamation works, especially on one of the album’s highlights, “Cries of the Dead,” which balances a “neighbor beating his dog in the basement” with the memorable tableau:

“You went to the mountains true and painted what you saw / You came back late and hid the painting underneath our couch / And I wasn’t there when you made it / But I feel like I’m there when I’m lookin’ at it.”

It still moves, though, with a lyrical tendency toward the morbid and macabre and VanGaalen’s warbly, wavering voice that hovers somewhere near fellow Canadian Geddy Lee’s skyscrapingly-high register. In the drowsy, banjo-propelled “Willow Tree,” VanGaalen politely requests a Viking-style shrug-off of his mortal coil:

“You can take my body / put it in a boat / light it on fire / send it out to sea.”

And speaking of VanGaalen’s countrymen, the surprisingly sweet “Inside the Molecules” finds Mr. VanG nestling a physics-nerd love poem inside some crunchy, nourishing riffs that could make Neil Young crack a smile, even at his most cantankerous. Much like the basement, Soft Airplane is a little scary (and dark and dank), yet filled with untold creative surprises and delights. Sara Miller

Desde Stevie Wonder y Todd Rundgren hasta Justin Vernon (Bon Iver), una autosuficiencia en la grabación -ser tu propio hombre-orquesta– ha servido como algo más que una insignia de honor. Es también una encantadoramente sencilla forma de mantener la consistencia a lo largo de varios álbumes, incluso de una carrera. En Soft Airplane, este aficionado a las grabaciones caseras, sigue tocando casi todos los instrumentos, como lo hizo en Infiniheart y Skelliconnection, pero algo ha cambiado. En discos anteriores podía parecer disperso, con pistas aleatoriamente seleccionadas de cientos de canciones almacenadas, pero Soft Airplane es conciso y efectivo.

Aquí, los serpenteantes Blippy stoner jams, hábilmente fluyen en sus punzantes sentimientos dentro de la misma canción. La amalgama funciona, especialmente en uno de los puntos altos del álbum:

Cries of Dead

“Fuiste a las montañas, es cierto

y pintaste lo que viste

Volviste tarde y escondiste la pintura bajo nuestra cama

​​y yo no estaba cuando lo hiciste

Pero siento como si estuviera allí cuando la veo. “

La constante tendencia hacia la lírica macabra y mórbida, y la turbulencia vacilante de la voz de Vangaalen, se ronda algún lugar entre los registros más altos de compañeros canadienses como Geddy Lee (VOZ). Trás de un somnoliento banjo VanGaalen cortésmente solicita un funeral vikingo en Willow Tree :

“puedes tomar mi cuerpo / ponerlo en un barco /

prenderlo fuego y enviarlo al mar”

Y hablando de compatriotas de Vangaalen, la sorprendentemente dulce “Inside the Molecules” encuentra a Mr. VanG empollando un poema de amor physics-nerd dentro de un crujiente riff que podría hacer que Neil Young esbozara una sonrisa, incluso en su más malhumorado día. Al igual que el sótano, Soft Airplane es un poco atemorizante (además de oscuro y húmedo), y sin embargo lleno de innumerables sorpresas y creativos placeres. Sara Miller


¿Alguna vez te encuentras con bloqueos creativos? De ser así, ¿cómo vuelves a la pista?

La mejor manera de salir de un bloqueo creativo es seguir creando sin ningún tipo de intenciones. Si te encuentras atascado, incapaz de producir nada, llena tú mente de ideas con libros, películas, naturaleza, reuniones sociales, o cosas que normalmente no te expongan a (nada destructivo). Más información en el cerebro te permite más ideas para nadar y menos posibilidades de ahogarte. A veces sólo es necesario hacer caso omiso de los salvavidas y hacer algo loco!

La respuesta es sencilla para este inquieto chico de Kansas, canciones que atraviesan sin límites del folk más puritano a la inocencia electro-laboriosa del bedroom, y hacerse tiempo para grandes pasajes animados de elaboración propia.

Más preguntas para Micah en su Formspring, y sus discos en

su Bandcamp.

Read the Original Here

Do you ever find yourself with a creative block? If so, how do you get back on track?

Great question. Here’s my opinion:

The best way to get out of a creative block is to keep creating without any intentions. If you find yourself stuck, unable to produce anything, fill your mind with ideas via books, movies, nature, social gatherings, or things you normally wouldn’t expose yourself to (nothing destructive). More information in the brain-pool of ideas allows for more ideas to swim around with and less room to drift aimlessly. Less chance of drowning if you have a bunch of ideas to look after you. And sometimes you just need to ignore the lifeguard and do something crazy!

While it’s healthy to take breaks now and then, waiting for a creative block to pass on it’s own can potentially waste a lot of time. Also, waiting around can become a nasty habit, eating time that could otherwise be used to create! Ultimately, you have to listen to what your body is telling you. Finding a healthy balance of rest time and work time is the trick to avoiding creative blocks.


Desgraciadamente, “el hermano de Thom Yorke” (debe ser horrible tener parentesco con alguien tan conocido y con tanto talento de por medio) nunca ha alcanzado verdaderamente ni la fama, ni muchísimo menos el reconocimiento comercial que esperaba con su anterior banda, Unbelievable Truth. Así que, después de -imaginamos- aburrirse del proyecto, se ha lanzado a publicar ‘Simple’, su primer álbum como solista.

Yorke (Andy) suena bien. Prescinde bastante del falsete con el que su hermano se ha hecho famoso y la verdad es que su debut merece un poco de atención. No es la revolución de la música, pero las melodías cobran muchísima importancia, aunque no tanta como la parte vocal, en la que Andy se centra y hace parte fundamental de su trabajo en solitario.

‘Simple’ no es un disco malo, tampoco es la repanocha, pero si hay algo que es seguro es que el pobrecito ha errado su tiro con la fecha de publicación. En pleno verano y con 40 grados a la sombra, lo que menos apetece es pararse a escuchar un disco cuyo grueso es puramente melancólico y triste. Es por esto que, si en lugar del 14 de julio, este señor hubiese puesto ‘Simple’ a la venta en pleno otoño, otro gallo nos cantaría. Y es que para todo, incluso para la música, las estaciones son importantes. jenesaispop

Quizá debería ir a por el impacto de At The Drive-In aquí. Quiero decir, a excepción de Fugazi y Neurosis, ¿existen otras bandas post-hardcore que tienen tanto para proclamarse de ser la real definición del género? Bueno, se separaron hace 5 o 6 años, por lo que realmente no importa.

Lo que importa es que Sparta es uno de las dos grandes bandas surgidas de la desaparición de At The Drive-In. En un sentido, era la más lógica de las dos bandas, Jim Ward, Paul Hinojos y Tony Hajjar continúan una ruta más suave, que se parecía mucho a la versión más soft de ATDI en canciones como “Napoleón Solo” & “Invalid Litter Dept. ” De hecho, Porcelain, su segundo lanzamiento, triunfó sobre su aparente contra, The Mars Volta y su ‘De-Loused in the Comatorium’. Sparta había hecho sin duda un nombre por sí misma fuera de su pasado, e incluso con la salida del guitarrista Paul Hinojos, no pude dejar de esperar algo especial de los Tres.

Después de escuchar el álbum, sin embargo, no podía dejar de querer más. Sparta ciertamente puede crear una canción excelente, “Taking Back Control” es una canción de rock potente con una intensa batería de Tony Hajjar y una actuación compasiva en vocales de Jim Ward. Ward y Keeley Davis manejan todo el trabajo de guitarra en el álbum, como lo demuestran los riffs entrelazados que se encuentran en esta pista muy. Aunque no son tan intrincados como los que se encuentran en trabajos anteriores.

Sin abusar de la comparación, pero en un sentido Sparta ciertamente suena como una versión conglomerada de At The Drive-In, Sunny Day Real Estate, Fugazi y Dredg. Ellos mantienen un sentido de la ira y la tecnicidad de su producción anterior, pero se mezcla más con el sentimentalismo y la magia que la mayoría de las pistas que ATDI podría ofrecer.

Read the Original Here

I should probably go on about the impact of At the Drive-In here. I mean, come on, except for Fugazi and Neurosis, are there any other post-hardcore bands that have as much a claim to being the true definition of the genre? Well, they broke up 5 or 6 years ago, so who really cares.

What matters is that Sparta is one of the two major bands to come about out of the demise of said At the Drive-In. In a sense, they were the more logical of the two splintered bands; Jim Ward, Paul Hinojos and Tony Hajjar continued on a more mellow path that strongly resembled softer At the Drive-In songs like “Napoleon Solo” and “Invalid Litter Dept.” In fact, Porcelain, their second offering, trumped their apparent counter-band The Mars Volta only offering at the time, De-Loused in the Comatorium. Sparta had certainly made a name for itself outside of its past, and even with the departure of guitarist Paul Hinojos, I couldn’t help but expect something special from Threes.

After listening to the album, though, I couldn’t help but want more. Sparta can certainly craft an excellent song; “Taking Back Control[“ is a powerful rock song with intense drumming from Tony Hajjar and a compassionate vocal performance from Jim Ward. Ward and Keeley Davis handle all the guitar work on the album well, as evidenced by the intertwining riffs found on this very track. While not as intricate as those found on “previous” works, its still a noted accomplishment.

Not to overuse the phrase, but in a sense Sparta certainly sounds like a conglomerated version of At the Drive-In, Sunny Day Real Estate, Fugazi and dredg. They retain a sense of anger and technicality of their former output, but mix it in with far more sentimentality and catchiness than most AtD-I tracks could offer. Songs often flow from soft, trancelike phases into balls to the wall guitar riff-age, most often with irresistibly catchy wails from Ward in the background. Most of them being sublime experiences, easily listenable despite the abrasive qualities they often possess.

This ends up being something of a downfall, however. Even when the songs get hot and heavy, they never really catch your ear. Sure, its all easily digestible, but its also rather unmemorable. There are some moments of bliss (the soft guitar interlude during “Weather the Storm” is beautifully done), and even occasionally the songs benefit from not being immediately hard hitting. However, when you’re attempting to listen to the album, it becomes tiring trying to find a moment to latch onto, to have “that moment” that you IM all your friends about.

So, the album is kind of boring. Big deal, right? It certainly has plenty of good going for it. It’s really quite a serene experience, and altogether quite well crafted. But…then theres nagging feeling. Everythings sort of the same. Albeit, if you’re going to have that happen with a record, 50 minutes is the ideal length. Sure, there’s a lot of the same, but its not that much, and it is spread out over 50 minutes anyways. Then again, you really wish they would do a little bit more with their influences. They seem to take the same Fugazi bits, the same dredg atmospheres, the same At the Drive-In guitar lines and use them over and over. While they use them all in a new, fresh way, it would still be nice to see them branch a bit further out with who they take ideas from.

Altogether, I like Threes. Is it a worthy follow-up to Porcelain? Heavens no. That album sounded inspired, and Threes seems to be a rather safe attempt in its wake. Does that mean its bad album? Oh hell no; there are some great tunes here, and no song in particular is bad, just boring and unneeded. Threes borders on the edge of greatness and is oh so close to hitting it, and maybe in time it will grow on me more. For now, it’s a good album with more than enough to like about it.

o en Sputnik


Este es un chiquillo de Philadelphia que arrancó con grabaciones caseras super lo fi y terminó grabando un disco como la gente (como la gente que tiene la suerte de que aparezca alguien y diga: “Creo que voy a ponerle la plata a este don nadie para que grabe en un estudio con un productor y todo lo demás; total no tengo nada mejor que hacer”). De hecho, es tan humilde (por ahora al menos), que en su web está su hotmail para que lo agregues al messenger y le digas que es un capo, que es un fracasado, que te encaaaaantan los canelones, o lo que tengas para decirle. ¿Creador constante de hits? Mmm… no sé, pero tiene un par de buenas canciones que con suerte algún día se convertirán en hits, y varias otras que quedarán archivadas como experimentos sonoros o algo por el estilo. Escuche y opine. Uno al Día

Jarvis se dejó una pequeña barba, posó para las fotos con cara de pocos amigos, ropa más informal y dado vuelta. Pero eso no es todo; produjo un cambio aún mayor: ensució su música con guitarras distorsionadas, bases compactas, riff y beats. Pero en el corazón de las canciones continúa su genio melódico -esta vez arropado- y sus letras únicas latiendo. Previsor Jarvis de mayores complicaciones.

‘Further Complications’ arranca el disco con toda la adrenalina. Llama la atención esas guitarras bajo y batería bien al frente y la voz de Jarvis a punto de desgarrarse, gritando a los 4 vientos “Your life is just a carrier bag” (“Tu vida es sólo una bolsa”)
‘Angela’ en el comienzo es un gran riff; se nota que construyó una banda a puro ensayo. Tiene arreglos vocales muy interesantes (mete voces un tal Daniel Knox, un performer de Chicago) y es pegadizo como un chicle.
‘Pilchard’ arranca con un duelo a muerte electrónico y guitarrero. Ganan las guitarras. Podría ser una canción instrumental salvo que Jarvis comienza a cantar repetidamente “Tu sardina, tu sardina…..” en algunos pasajes del tema. A subir el volumen y no esperar mucho más.

‘Leftlovers’ suena extraordinaria. Aquí la conexión entre el viejo sonido Pulp y el sonido de este disco alcanza el punto justo, el mix perfecto. Hit en la gatera y la letras tiene aires 100% Cocker “He says that he wants to make love to you / Well instead of ‘to’, shouldn’t that be ‘with’?” (“El dice que quiere hacerte el amor a vos / bien, en lugar de ‘a’, ¿no debería decir ‘con’?”)
‘I Never Said I Was Deep’ arranca cual balada dispuesta a partir la tierra y cuando llega a la mitad de la canción uno entiende que Jarvis, a su manera muy particular, está en busca de la canción perfecta.
En ‘I Never Said I Was Deep’ está cerca, bien cerca de encontrarla. En una parte canta: “And if you’re waiting to find what’s going on in my mind, you could be waiting forever…” (Y si estás esperando encontrar que es lo que pasa por mi mente, podes esperar para siempre…) cual crooner perdido. Excelente.
‘Homewrecker’ es puro ritmo, mucho saxo y una intro del carajo. En el final Jarvis Cocker parece imitar los gritos de Eddie Vedder circa Vitalogy. Intenso.
‘Hold Still’ es otra balada sutil, dramática. La banda que acompaña a Jarvis suena muy bien y parece estar en cada detalle.
De nuevo el sonido denso aparece en ‘Fuckingsong’, repleta de efectos. Puro/crudo rock & roll.
En ‘Caucasian Blues’ Jarvis Cocker se calza el overol y canta como si el mundo se estuviera por acabar ahora mismo. Mucha ironía rozando los extremos.
‘Slush’ tiene mucho clima denso, que se va liberando minuto a minuto hacia un lugar mejor. Melodía+Melancolía.
‘You’re In My Eyes (Discosong)’ cerrar un disco así es esperar lo que venga más ansiosos. Cocker canta como si lo suyo fuera una gran obra de arte, un collage de un presente anacrónico. La canción es un pequeño gran hit q va quedando en el aire cual mantra hecho para hechizarte. ¿Eso es el fin?
Los discos de Jarvis Cocker exaltan ese espíritu que sólo la música (la buena música) entrega. Hay pocos letristas como él, pocos performers. Un disco compacto, que patea cualquier monotonía y entrega toda una variedad de colores sin demasiadas complicaciones; directo hacia tu cuerpo. Sueños a Pila

Deerhunter se ha convertido en uno de los grupos más celebrados, crítica y popularmente, y con buena razón. Tienen una increíble habilidad de combinar diversos géneros musicales en una sola envoltura. Cuando se reveló que tenían no uno, pero dos discos en órbita, era motivo de celebración y especulación. Pudieran alcanzar las espectativas luego de la realización de Cryptograms? Ésta fue una creación que aunque se puede definir como abstracta, fue sumamente inspirada y secuenciada con mucha fluidez.

Con Microcastle, Deerhunter está en su pináculo creativo. Aunque es un disco más accesible, es uno conceptualmente lúcido y estimulante, no sólo para el que lo crea pero más para el que lo escucha. Es indiscutiblemente la obra prima del cuarteto, uno que los sube a un nivel más alto de expectativa, y que tomaría años para igualar.

Pero esto no se podía dar. Bradford Cox, líder prolífico de la agrupación, tenía sus propios planes. Tenían en la mira sacar por secreto un disco acompañante titulado Weird Era Cont. Aunque la misma era una sorpresa para el lanzamiento de Microcastle, resultó que el mismo fue descubierto en el Internet. Aunque el secreto se había revelado, lo más predominante era pensar en cómo habían podido lograr una secuencia de canciones casi tan sólidas como Microcastle.

Weird Era Cont. es un pequeño fenómeno, una afirmación de que Bradford Cox y su tropa están en el tope de su carrera musical. Es una amalgama de todas las influencias que han experimentado en su carrera, desde los sonidos ambientales y experimentales de Cryptograms hasta el abstraído y surtido pop de Microcastle.

El mismo abre con “Backspace Century”, corte dirigido por guitarras drenadas, un patrón rítmico consistente y las vocales difuminadas de Cox. “Operation”, subsiguientemente, trata un ritmo al estilo funk con intermedios al estilo jangle, para luego girar a un ritmo más pasivo. No es sorprendente que la agrupación toca dicha canción mucho; pareciera ser el eslabón perdido en la secuencia de Microcastle. Se separa como el momento cumbre en esta segunda inventario de canciones.

Estas son ejemplos de los momentos más accesibles de Weird Era Cont. “Vox Celeste” es una explosión al estilo shoegaze,; otra razón al porque es cuestionable o hasta relevante si Kevin Shields tenga que re agrupar My Bloody Valntine. Es una notable representación del género y, sin embargo, se destaca por tener un sonido muy individual y exclusivo de la agrupación. “VHS Dream” y “Focus Group” son dos representaciones dignas al “alternative” noventoso, género que Deerhunter tantea y lo ha logrado reconstruir y personificar para estos tiempos.

No sería Deerhunter si no estuvieran presente pulsos ambientales para acompañar y definir su secuencia. Temas como “Slow Swords” y “Cicadas” se destacan por exhibir piezas instrumentales con elementos tradicionales, muy parecido a los intermedios presentados en Cryptograms. Otras, como “Ghost Outfit” y “Weird Era”, son más abstractas y experimentales, evocando las texturas que Cox ha matizado en su proyecto Atlas Sound.

Weird Era Cont, como Microcastle, se denomina por ser una reconstrucción al pop. Temas como “Moon Witch Cartridge” y “Vox Humana”, son homenajes al pop norteamericano de los 50’s, época que dicha agrupación ha obtenido mucha de su influencia en este doble proyecto. Como los Ramones en su pasado, y los Raveonettes en el presente, Deerhunter parte del pop tradicional para reconstruir los ritmos de las agrupaciones pre-rock n’ roll y los cuartetos musicales de a capella.

Lanzar dos discos en un mismo año no es una anomalía. Es más, se ha convertido en una modalidad bastante evidente este pasado año. No obstante, no todos tienen el dominio y la astucia de presentarlo con tanta facilidad. Deerhunter ha logrado cautivar la atención del rock independiente con una perspectiva fresca, pero sin olvidar que toda experimentación parte de componentes rudimentarios. Lasereater

Es curioso cómo, partiendo de una propuesta teórica opuesta, Slow Club pueden sonar tan cercanos al folk de The Moldy Peaches o Jeffrey Lewis o Antsy Pants. Pese a que estos ponen un suspiro donde aquellos hablaban de bajar porno, el sonido a veces deslavazado, a menudo caótico, y el amor profundo por los clásicos norteamericanos son un referente común. jenesaispop